Rigoletto a Bologna: cast “alternativi” o stocastici?

Ai tempi delle tavole pittate, magari riciclate di spettacolo in spettacolo in omaggio a una politica di oculato contenimento dei costi (politica che poteva essere appannaggio solo del teatro di matrice impresariale, quello a conduzione pubblica, che vuol poi dire partitica, privilegiando per sua stessa natura mance, prebende ed elargizioni a fondo perduto), la Gilda di Marcella Sembrich era celebre, oltre che per la maestria vocale, per il gesto (un passo all’indietro) che compiva nel momento in cui, entrando in scena al secondo atto, scorgeva il padre in mezzo ai cortigiani del duca. Un semplice gesto in cui c’era tutto lo sbigottimento, l’orrore e la vergogna della figlia, che scopre in maniera inequivocabile quale sia la professione del padre e quanta parte lo stesso abbia nell’ambiente in cui ella è venuta, suo malgrado, a trovarsi. Non sappiamo se il gesto fosse frutto delle personali intuizioni e riflessioni della signora Sembrich o se le fosse stato suggerito da qualche maestro ripetitore o di palcoscenico, ma c’era in quell’improvviso recalcitrare di Gilda più teatro di regia che in tanti patinati allestimenti pseudoinnovativi (sempre e comunque pagati per tali). Buon ultimo della serie quello di Alessio Pizzech, proveniente dal teatrino di Busseto e riproposto, con variazioni, al Comunale di Bologna (che lo annuncia, però, quale nuovo allestimento).
Superfluo soffermarsi sulle infinite caccole dello spettacolo, che qualche penna in vena di facili e dobbiamo supporre onesti entusiasmi ha elevato a manifesto del teatro di regia, che il pubblico nostrano proprio non vuol decidersi a mandare giù (fischi a scena aperta e al termine della recita, indirizzati ai mimi in assenza del signor regista, sono volati anche in occasione della replica pomeridiana di sabato 12, seconda recita della seconda compagnia, o compagnia alternativa, come la definisce, con pudico quanto inutile eufemismo, il personale addetto alla biglietteria del teatro felsineo). I soliti ammiccamenti a devianze tossico-sessuali, al ruolo della donna ridotta a bambola e/o puttana, i soliti tristissimi cappottini alternati a completi giacca e cravatta, qualche mimo di bella presenza a cattivare la benevolenza di buona parte del pubblico, zero movimento di solisti e coro, qualche riuscito effetto di luci e stop. Davvero un misero trattamento per un titolo in cui la tragedia del protagonista, carnefice involontario della propria figlia, dovrebbe essere totalizzante e qui finisce per risultare tiepida, piatta, grottesca anche oltre le evidenti intenzioni dissacratorie.
Ma c’è ben di peggio, nella fattispecie la direzione di Renato Palumbo, una successione di colpi di mazza ferrata (preludio, a base di ottoni spernacchianti, chiusa dei diversi quadri, ingresso della disonorata Gilda, temporale) alternati ora a ritmi saltellanti e marcette puntute da teatro dei burattini (con pasticciata tenuta del palcoscenico, come nel concertato che precede l’ingresso di Monterone), ora a ritmi slentati e letargici che mettono in seria difficoltà i solisti, costretti per giunta a confrontarsi con un muro di suono che spesso e volentieri li seppellisce (ascoltati da un palco di proscenio, Rigoletto e più ancora Gilda e il duca, per tacere dei comprimari, sembravano cantare da una distanza siderale, con voci prive di minimale espansione). Nessuna capacità di sottolineare il contrasto fra la frivola deboscia della festa e l’irruzione di Monterone, di rendere la tinta sinistra del duetto Rigoletto Sparafucile, il senso di tragica beffa del finale primo oppure l’insostenibile tensione dello slancio suicida di Gilda alla taverna (qui trasformata in chiatta) sul Mincio. Insomma un autentico nulla, che il pubblico felsineo ha in seppur minima parte riprovato ai saluti finali. Male!
Del resto anche con gli interpreti è stata usata clemente misericordia. La merita, in parte, Vladimir Stoyanov, che si sforza, almeno, di trovare accenti castigati e dimessi (fatta salva qualche occasionale scivolata nel parlato), sebbene non abbia la necessaria saldezza in acuto e più in generale l’espansione vocale che dovrebbe caratterizzare l’autentico mattatore del dramma. Non la merita affatto Scilla Cristiano, classica voce microbica in basso, fissa e sistematicamente stonata nel registro medio-alto, in debito di ossigeno fin dalla sortita, imbarazzante nel “Caro nome”, in cui, complice l’infelice abbigliamento, si produce in una plausibile imitazione di Olympia prossima alla rottura definitiva. Per inciso il primo atto è quello in cui una voce di cosiddetta soubrette dovrebbe trovarsi meno a disagio. Nei panni del Duca Raffaele Abete ha una voce di bel colore ma che, dal passaggio superiore in su, risulta schiacciata e nasale, con effetto caricaturale su frasi come “adunque amiamoci donna celeste”, sigla della sfrontata sensualità del personaggio, mentre in zona centrale la mezzavoce risulta in difetto di appoggio e dà origine a suoni prossimi al parlato. Tra gli altri interpreti, il solo Antonio di Matteo (Sparafucile) dà prova di mezzi interessanti, benché poco governati e quindi solo parzialmente soddisfacenti.
Una chiosa merita la recita di giovedì 17, sulla carta ultima rappresentazione affidata al primo cast (che dico…? compagnia principale). Prima della recita, in coda al consueto comunicato/pistolotto sindacale a sipario chiuso circa l’insensatezza dei tagli governativi agli enti che promuovono e tutelano le magnifiche sorti e progressive della cultura italiana, si annuncia che a Di Matteo subentra Enrico Iori, mentre Marco Caria viene sostituito da Vladimir Stoyanov, che si esibirà pur non essendo in perfette condizioni di salute. Le non perfette condizioni di salute, che avevano costretto il baritono bulgaro a cancellare la rappresentazione del giorno precedente, emergono fin dalle prime scene, in cui si percepisce una certa mancanza di volume (notevole soprattutto in una sala di modeste dimensioni come quella bolognese), ma il dramma, quello vero, arriva al “Veglia o donna”, in cui il cantante rimane letteralmente senza voce e deve chiedere al direttore di fermarsi. Applauso di incoraggiamento, quindi la rappresentazione in qualche modo prosegue fino all’intervallo. Alla ripresa, nuovo annuncio: Stoyanov non può continuare, quindi la palla passa a Devid Cecconi, che aveva cantato anche alla recita precedente in sostituzione di Stoyanov. Cecconi, specialista del last minute verdiano (ricordiamo il salvataggio della Giovanna d’Arco scaligera), ha esibito una buona quantità di voce, ma è stato ben lontano dal fornire una prova sufficiente, atteso che una parte come quella di Rigoletta va cantata e soprattutto scandita, non, di volta in volta, berciata o soffiata in una sorta di maldestra imitazione nucciana. Ma il biasimo non va certo al solista, che dà prova di notevole tempra e sangue freddo e anche solo per questo merita il plauso, non certo di cortesia, che gli riserva il pubblico: biasimevoli, anzi indegni, sono gli organizzatori che, avendo contezza dell’indisposizione dei due baritoni scritturati, non si sono decisi a convocare il terzo (o a cercare un eventuale quarto) prima che si alzasse il sipario, dando così vita all’ennesimo spettacolo grottesco, raffazzonato e improbabile (il ricordo dell’Attila di qualche mese è, in questo senso, ancora vivo). La rappresentazione, così conciata (o meglio, così sconciata), rimane non valutabile, anche se i fischi, non isolati, che ai saluti finali accolgono, encore une fois, Palumbo indicano chiaramente il nadir di una produzione mediamente poco felice. Archiviato un primo atto in cui si barcamena fra intonazione e agilità ugualmente faticose (la chiusa del “Caro nome”, complice un’accorta cadenza, così come il finale della “Vendetta”, è comunque imparagonabile a quella della seconda Gilda), nonostante una voce che risulta piuttosto legnosa e povera di colori, Irina Lungu risolve il personaggio in forza di una precisione musicale, una sobrietà espressiva e una presenza scenica spontaneamente elegante (malgrado il guardaroba da mentecatta) che si fanno apprezzare anche nel confronto con i compagni di palcoscenico, primo fra tutti Celso Albelo, di limitato volume, spesso a corto di fiato, propenso a emettere suoni bassi di posizione, gonfi e “indietro” nel registro centrale, falsettanti e stonati nella zona dei primi acuti.