La Fanciulla del West alla Scala: non male…. ma bene è un’altra cosa.

Termina con l’uscita di scena “onz a onz” della protagonista ufficiale Eva Marie Westbroek l’avventura della Fanciulla del West nella pubblicizzata edizione senza gli interventi “di Toscanini”. Inutile ripercorrere le faraginose tappe che hanno portato alla sostituzione prima dell’annunciato regista, poi dell’annunciato tenore. Diciamo solo che, dopo una vita ad andar per teatri,  la repentina sostituzione della signora Westbroek il giorno della generale “presentata” dal sovrintendente con l’auspicio che si esibisse per la prima, seguito invece dall’annuncio sul sito del teatro che per le prime 3 non sarebbe stata disponibile, ci è parsa storia in odore di malattia diplomatica. Puntuale è, infatti, seguita la conferma della completa indisponibilità dell’artista, a recite iniziate con altro e diverso soprano. L’edizione “originale” è stata spedita prestamente in fanteria assieme a tutte le velleità culturali del maestro Chailly, e buonanotte suonatori, tanto un forfait in più o uno in meno alla Scala non fa gran differenza per un pubblico che forse la foglia di una gestione non proprio lineare delle cose l’ha anche mangiata, ma pare ancora acquiescente di fronte alla deriva del suo amatissimo teatro. Dopo aver visto la 3° recita trasmessa per tv,  ho assistito alla recita del 18 e di questa vi dirò, essendo che la ripresa televisiva non corrispondeva molto alla realtà teatrale.

Dello spettacolo di Carsen non si può dir male, perché il suo western è parso godibile ed efficace, non provocatorio né altro di urtante, ma nemmeno ha brillato per genialità inventiva o accuratezza di lettura del testo, anzi. La Fanciulla di Carsen è incardinata su un idea di cui si potrebbe celebrare il quarantennale tanto è innovativa ( occorre anche che si inizi a scremare la verità dei fatti dalla misconoscenza entro la prosa dei moderni distributori di incensi “da buon comando” ), ossia il cinema nel teatro, per cui i protagonisti ed il coro appartengono ad un pubblico che rivive in prima persona la proiezione del film dell’opera. Idea messa in scena già da Ronconi, tanto per esemplificare, nell’anno di Dio 1976 a Parigi nel Barbiere di Siviglia ( allora si proiettava il film con Tito Gobbi ), poi parecchie altre volte ancora con registi di gran fama, da Pizzi ( alludo al finale del Cappello di Paglia di Firenze ) al più recente Livermore di Ciro in Babilonia etc.. Idea che è abusata se poi pensiamo ad altri casi preclari, quasi da “cultura popolare”, come il Woody Allen della Rosa Purpurea del Cairo o il nostrano Tornatore del Nuovo Cinema Paradiso….Ergo, non un’idea, ma un clichè, adottato per metter qualcosa nello spettacolo. Quello che pare evidente nel riflettere sullo spettacolo è come questo venga gestito addirittura come successione di clichè, dal coro che si muove e recita ritmicamente al primo atto come nel cabaret ( dai Contes d’Hoffmann all’indietro potremmo scorrere l’intera produzione del regista per ritrovare questo tipo di movimento), cosa che poi si ripete al terzo, quando questo si allinea per consentire una sorta di passerella, rubata ancora alla rivista come al musical, per Johnson Ramirez che sta per essere impiccato ( la vena di ridicolo del momento si coglieva..…). Altro clichè da musical l’entrata di Minnie, col sipario drappeggiato che si alza velocissima e lei ferma, davanti ad una immagine cinemascope di un Colorado rosso fuoco, in posa col braccio in alto e la pistola, immobile per vari secondi, l equivalente dell’acuto tenuto a perdifiato di un tenore gigione. Ama il colpo di scena e cerca l’effettone anche nel finale, quando Minnie non arriva al bosco ove stanno per linciare l’amante, ma appare in visone, anni ’20, davanti all’ingresso di un cinema, i neon e i cartelloni pubblicitari col volto della protagonista ed il finale con la coppia in cappotto che esce a piedi camminando. Esagerato poi il sangue alla Tarantino ( perché di Tarantino si tratta ) che colora il grigio della capanna allucinata da teatro espressionista del secondo atto. Lo spettacolo risulta una successione di immagini tipiche e comuni, mutuate un po’ ovunque e che, come detto, funzionano anche, ma non riescono a togliere una certa sensazione di superficialità, talora anche gigionesca, come i due ingressi al 1 e al 3 atto di Minnie di cui ho detto.

Il procedere per effetti del regista è certamente assai diverso da quello di Puccini, che ad usare gli effetti è superlativo, ma li dispone sempre alla fine di un processo analitico di fraseggi, tutti da cesellare, di ricercatezze orchestrali, di completa aderenza della momento musicale all’azione. Nulla è casuale o gratuito in Puccini e certo a Chailly è piaciuto dimostrarci la qualità di orchestratore del compositore. Abbiamo sentito un’orchestra che ci  ha fatto sentire ogni strumento in maniera nitida e distinta, soprattutto quelli cui forse non avevamo mai prestato attenzione, cercando di mostrarci la tutta la modernità e la propensione novecentesca di quest’opera. A mio avviso non ha diretto male, ma gli è sempre mancato qualcosa per avvolgere lo spettatore e rapirlo, come già nella Turandot. All’analisi, soprattutto agli interventi dei tanti comprimari del I atto, anatomizzati uno dopo l’altro, il maestro ha sacrificato la grandiosità e soprattutto la poesia di quella sorta di poema sinfonico per comprimari, coro e grande orchestra che và dalle battute iniziali fino all’attacco del duetto tra Minnie e Johnson. Il primo atto stentava a procedere, perché il tutto si fermava ramificato nei singoli episodi, che sembravano quasi di colore, mentre  l’orchestra deve imporre un grande respiro al tutto, il grande poema, appunto, del ricordo della casa lontana, della nostalgia e della solitudine introdotta dal canto di Wallace fuori scena, degli improvvisi squarci dinamici in cui l’azione riparte, del coro utilizzato come un grande e suggestivo solista. Anche Minnie è introdotta dal canto del coro, e tutta la scena che culmina nel suo ingresso deve essere quasi un’esplosione dell’orchestra, costruita centellinando la progressione delle battute che portano ad essa. Meglio il duetto d’amore, che aveva un bello slancio appassionato, mentre l’atto della capanna, dopo il secondo duetto, era povero di tensione dal momento che và della furia di Minnie contro Johnson (“Vieni fuori Vieni fuori….”) alla partita a carte finale, in cui Puccini impone un ritmo incalzante e terribile all’orchestra. Al finale, apoteosi di solisti e coro, con l’acme sul si naturale coronato di Minnie su tutti, è mancato quel mix pucciniano di teatralità, forza ed edonismo sonoro che porta l’opera alla celebrazione della riconoscenza per il bene ricevuto da Minnie, il perdono ed il lieto fine.  Per quanto attiene la sfera dell’accompagnamento al canto, và detto che l’operazione ha subito un pesante ridimensionamento perdendo la protagonista in prossimità del debutto. Non posso però non rilevare gli stacchi di tempi per Sgura e soprattutto per Aronica, che cantava in una tessitura per lui molto grave. L’aria del terzo atto, “Ch’ella mi creda” è stata staccata ad un tempo biblico per una voce adeguata a tessiture più alte e ciò esemplifica il rapporto del maestro con canto ed i cantanti. La scena del I atto di Jack Rance – Sgura non aveva alcuna dinamica o respiro interno alle frasi e così il canto, costruito come una grande progressione all’acuto, espressione dello slancio amoroso di Rance per Minnie, ha sortito un esito insignificante. Se il cambio di protagonista su un ruolo molto difficile impone una certa tolleranza sull’esito finale sortito da buca e solista, non così per i protagonisti maschili dove ancora, come già in Giovanna d’Arco ed altre occasioni precedenti, abbiamo riscontrato accompagnamenti che poco sembravano giovare ai cantanti. Sgura ha realizzato un personaggio ieratico e credibile, grazie anche alla sua figura. Carsen lo ha messo “in posa” alla De Niro-Al Capone per tre atti, il sigaro in bocca, la mano in tasca e o sui fianchi, fedele al sopradescritto concetto del procedere per clichè. La voce è piuttosto piccola, quindi anche le impennate del canto del cattivo non erano in grado di essere molto incisive sul piano vocale e la parte è stata risolta col grande aiuto del visual. Aronica ha cantato con continuità di rendimento, la voce al centro piuttosto sabbiosa, forse per via della tessitura e del fatto che tende a spingerla. Gli acuti sono stati, anche se non sono girati, la parte migliore del suo canto, frutto di una dote notevole e di uno squillo naturale invidiabile. Fraseggio poco e disomogeneità di volume tra la zona centro grave e gli acuti, sempre per via della tessitura, che gli ha reso difficile provare a legare veramente il suono. Barbara Havemann ha fatto la sua difficile sostituzione senza prove, ma alla quarta recita credo si debba dire di lei come di una titolare. Canta un repertorio molto più pesante della sua vera natura vocale di lirico leggero dal timbro chiaro. Una dote che avrebbe dovuto applicare ad altro repertorio, alterata invece da una concezione del canto che è quella oggi corrente presso certe scuole, ove si insegna ad ingrossare, forzare e spingere la voce. Di fatto non ha le note centrali e men che meno quelle gravi, necessarie per cantare questa parte. Ha parlato con grande frequenza, primo atto in primis. Gli acuti, anche se spinti, sono risultati accettabili, assai meno la mancanza di sonorità e l’incapacità di cantare laddove la parte insiste di continuo. Qualche fiato in più del dovuto, e soprattutto l’assenza di legato derivato da quanto detto sopra, han fatto sembrare la sua Minnie una regina del declamato, mentre la parte non declama affatto. Canta piuttosto su zone del pentagramma ove è difficile attaccare i suoni, mentre sono pesanti da reggere le discese ai gravi come certe impennate selvagge all’acuto, coniugate all’ampiezza che la parte richiede in tanti momenti, come il finale, dove non c’era abbastanza suono e canto per restituire la potente magnificenza della scena. Quanto al parco comprimari, da segnalare soltanto il bravo Carlo Bosi come Nick, voce fin troppo puntuta e sonora in un contesto di voci indietro e Alessandro Luogo come Sonora. Da sempre Fanciulla si dice che costi un patrimonio, perché i comprimari come il coro hanno un ruolo fondamentale nello straordinario complesso che è il primo atto e forse qualche voce migliore si sarebbe potuta aggiungere ai due di prima.

Insomma, nonostante le peripezie variamente cagionate, ne è uscita una Fanciulla che non è stata un flop ma nemmeno un vero successo e men che meno quello che ambiva essere, ossia lo spettacolo di punta della stagione destinato ad unire buona musica e contenuti culturali. Non male…ma far bene è un’altra cosa.