Macbeth alla Pergola di Firenze

Firenze, Teatro alla Pergola, o forse sarebbe meglio dire alla Graticola, Fondazione Maggio, Ultimo Atto. Ci ha pensato il genio di Vick, con sua nuova “creazione”, a convincere il pubblico che lo smantellamento del laboratorio di scenografia che correda la scioccante liquidazione dell’ente ( non si capisce bene con quale fine futuro..) sia cosa buona e giusta. Una produzione imbarazzante, certamente coerente e strutturata nell’idea di fondo, lisa e adeguata solo in parte, ha suggellato la vigilia di quello che possiamo considerare il capolavoro dell’ incapacità gestionale dei nostri teatri da parte di sovrintendenze, organi sindacali, politici etc, con tutti i loro annessi e connessi. La crisi c’entra, ma c’entra anche la follia degli amministratori che hanno voluto un megateatro nuovo ed inutile, ancora in fieri e da pagare, a fianco di un teatro vecchio, indebitato non da ieri per circa 40 milioni di euro; un’overdose di personale; un cartellone scarno perchè da anni progressivamente scarnificato; una grande orchestra sottoutilizzata che chiede di suonare di più. Una miopia gestionale non recente, cui nessuno in questi anni ha saputo dare una sterzata prima del recente tracollo. Su tutto troneggia il fenomeno silenzioso e clamoroso al tempo stesso della desertificazione del pubblico, in atto da qualche anno. Fenomeno cui non si presta la dovuta attenzione, perché in crescita anche altrove. Firenze, una città unica o la prima tra tante che verranno?
Tutto alla Pergola mercoledì sera mi è parso una metafora del teatro di oggi, metafora per noi, i cantanti, lo spazio, ogni cosa significava anche altro dallo spettacolo.
Firenze di giugno, che dopo le piogge monsoniche appena passate, schizza a 43 gradi ed il teatro che ospita la celebrazione nello stesso spazio della prima rappresentazione del 1847 non è per nulla condizionato ed il clima è insopportabile. A che pro? Ricostruire la prima dell’opera, che si tenne a dire il vero il 14 di marzo del ’47, di certo non in una savana di velluto e stucco come l’altra sera?
Ci si guarda attorno, i posti liberi in platea sono svariati, nei palchetti mai più di due persone, il palco reale praticamente vuoto, il loggione quasi pieno: il sold out a Firenze è impossibile anche con un titolo di repertorio in un teatro piccolo e ti immagini le facce di quelli che forse inaugureranno un giorno il nuovo ciclope in fase di ultimazione, evidentemente più utile alla retorica della politica che alla crescita culturale dei cittadini.
Vick ci ha ammannito la sua lettura, quella di un dramma borghese, una coppia anni ’50-‘60 ( più o meno ) divorata dall’ambizione. Un quadretto domestico, che si svolge in uno spazio vintage da televendita, prima la cameretta da letto, poi il giardino della villetta con piscina, prato verde di vera plastica e fenicotteri fucsia volutamente provocatori, aperta citazione da Pink Flamingos; le streghe come mignotte brutte e volgari da strada di banlieu,¸ il “Patria oppressa” eseguito in una sala d’aspetto di una qualche stazione di paese e finale con seggiole in plastica verde alla Eams agitate in aria dai coristi; ultima scena con le streghe di Macbeth su un letto con gli immancabili trans e strega incinta; sonnambulismo della Lady nel bagno di casa, con lavaggio di mani nel lavandino Ideal Standard; finale in mimetica, come già la prima scena di Banco e Macbeth, con mitra e sparacchiamenti; il tutto accompagnato dalle tirate di coca del protagonista. E per fare questo, Vick ha omesso il fondale, lasciando a vista il muro di fondo della Pergola ma raddoppiando i palchi di proscenio, con tanto di lesene e capitelli dorati uguali a quelli reali, per collocarvi scenette marginali all’azione, altrimenti risolvibili. Taccio dei “costumi” e delle luci en plein air. Chi scrive non contesta nemmeno l’attualizzazione e l’idea ( stravista fino alla noia ) del dramma borghese, che di borghese non ha proprio nulla, perché il teatro elisabettiano, al di là del soggetto “regale”, come quello verdiano, sono tutto fuor che borghesi o leggibili in questa chiave social sinistrorsa, tanto superficiale da essere indigesta alla stessa cultura marxista. Chi scrive contesta che questa idea debba essere realizzata in questo modo sciatto, gratuitamente provocatorio, ordinario e brutto. Il significato non diventa maggiormente pregnante per lo spettatore se questi viene urtato dalla banalità, dalla goffaggine, dalle incongruenze e dalle assurdità con cui viene ( non ) gestita la realizzazione. Spettacoli dove il non pensato, il trasandato, il qualunquismo delle scelte vengono comodamente assorbite nella libertà creativa, nella provocatorietà, in un fare presuntuoso che offende il pubblico con la presunzione che ogni cosa basti ed avanzi a far successo. Al di là dei dettagli dei fenicotteri o la cameretta ordinaria, il clima che Vick crea è costantemente contrario alla musica, come pure al clima del dramma di sangue ed alle ossessioni dei protagonisti, disturbato solo da costanti rumori di scena, cigoliì e tonfi. La luce abbagliante, sempre accesa e fissa, contraddice la cupezza delle ossessioni, i sentimenti che agitano i protagonisti, le paure e i fantasmi interiori, la tragedia finale. Il dramma borghese di questo regista non è nemmeno un dramma, è una farsa ridicola, che non cattura, non coinvolge, non lascia niente allo spettatore, nemmeno il fastidio di una critica sociale, perché tutto da noi è già acquisito e noto in termini ben più forti, reali, tragici e disincantati dei suoi. Il suo realismo al confronto con la nostra realtà quotidiana è un povero niente ridicolo e ci lascia indifferenti ( al più infastiditi ) come nell’indifferenza diffusa il Maggio viene liquidato, anche grazie ad esperienze teatrali come questa. Perdere un teatro che ti offre la bellezza del Macbeth di Strehler fa soffrire lo spettatore; perdere spettacoli come questo lo libera da un tormento visivo. Devono meditare a fondo i demiurghi di questa modernità, gli artefici di questo teatro didattico sui posti vuoti che crescono ovunque in ogni teatro. Meditare anche sulla via del non ritorno che stanno perseguendo, allorquando, liquidate le competenze tecniche alte necessarie all’arte della scena e del costume, si accorgeranno di non poter tornare indietro anche volendo. Prendano bene la mira nei bersagli delle loro liquidazioni, perché forse è in gioco la scomparsa di un’arte e non solo il riassetto economico di una istituzione.
Proseguiamo con la metafora del nostro tempo odierno.
Si va in scena nel teatro della prima del ’47 con la prima versione, quella più arcaica, ancora densa di stilemi tardo belcantistici, il duetto tra i due con le fiorettature, quella sorta di cabalettone che è il “Trionfai” della Lady, la prima brutta stesura del “Patria oppressa”, il terzo atto per un Macbeth quasi tenore, Felice Varesi. Scelta la versione, dovrebbe essere scelto anche lo stile esecutivo, perché la prima Lady non divenne famosa come interprete verdiana, ma per essere stata la prima interprete in Italia del Robert le Diable, quindi Norma, Semiramide, Lucrezia Borgia, oltre che prima Contarini dei Foscari, Abigaille etc., mentre il primo Macbeth, amante pure lui come Ronconi delle scene di pazzia, cantava il Tasso ed il Furioso di Donizetti, la Saffo di Pacini, Vestale e la Linda di Chamounix. Mettiamo da parte del fole sulle voci piccole legata alle dimensioni ridotte della Pergola: quando la Barbieri debuttò a Parigi il pubblico rimarcò la minor rifinitura vocale rispetto alla Grisi ma restò impressionato dalla grande potenza e dal suo slancio. Il clima in cui il Macbeth debuttò era questo, i riferimenti vocali ancora quelli del tardo belcantismo.
Dunque non basta collocarsi nel teatro originario e riproporre la prima versione per essere filologici, occorrono i modi del canto di metà ottocento, che non possono essere quelli del tardo Verdi degenere. E qui sta il nucleo del problema di questa proposta fiorentina.
Premesso che tutto il cast, quasi un denominatore comune, ha impiegato in più di una occasione i “piani”, un dictat di Conlon immagino, le ambizioni vocali si sono ridotte a questa formula espressiva, sfruttando la naturale amplificazione che la Pergola offre alle voci, in questo spazio sempre vicine e presenti agli spettatori anche quando falsettate. Così ciò che in un teatro di dimensioni normali non sarebbe stato possibile, è riuscito in questa occasione ai cantanti. La signora Serjan-Lady si è imposta in forza di una grande vigoria vocale, per quanto il mezzo non sia naturalmente bello né ben posizionato. La sua tendenza a cantare forte e a spingere ha impressionato il pubblico dominando la scena anche con la sua prestanza fisica. La sua è una Lady rodata ma per nulla raffinata, che non convince laddove occorrono le prerogative del belcanto di forza, come nel “Trionfai”, sgangherato oltre che stagliuzzato, o nelle fiorettature del brindisi oppure negli acuti, che suonavano sempre indietro, privi di appoggio, alcuni marcatamente falsettati. Tuttavia, ripeto, lo spazio  ha giocato a suo favore, nell’esecuzione del sonnambulismo, con tanto di re bem, che pur in falsetto ha prodotto l’effetto desiderato sul pubblico nella piccola Pergola. Immaginare in questa prova quella di una cantante applicata al repertorio che fu della Barbieri Nini è impossibile, soprattutto per l’emissione poco elegante dovuta ad usura ed imposto e per la pronunciata tendenza all’urlo.
Il signor Salsi-Macbeth è andato oltre le aspettative, per quanto termini la sua dura prova visibilmente stanco e affaticato. Ad onta del repertorio verdiano che sta praticando con costanza, non possiede un mezzo ancora abbastanza ampio né una tecnica salda per esibirsi in Verdi per ogni dove. Il primo atto passa senza problemi, buona la scena con Banco e le streghe, per i toni stupiti e misteriosi che conferisce al suo canto, come pure la prima sezione del “Fatal mia donna un murmure” con la Lady. Le dolenti note arrivano dopo, quando al personaggio si aggiungono altre tinte espressive, più onerose per la sua voce. Quando la tessitura si alza, come al difficile terzo atto, la scena delle streghe, oppure si fa concitata, come al banchetto, con il delirio delle apparizioni dei fantasmi, il cantante è in difficoltà perché la scrittura gli è pesante e gli manca quell’ampleur funzionale ad una gestione in sourplesse della parte. Si sforza di tenere sotto controllo la voce, ma gli acuti restano comunque indietro e spesso ricorre, per gusto personale, ad accenti esagerati ed esteriori. Insomma, un canto la cui resa è alterna e certo facilitata dalla dimensione ridotta del teatro, che gli consente di forzare la voce soltanto in un paio di occasioni. Nel tratteggiare il suo personaggio, tra l’altro, non è aiutato dalla recitazione e dall’aspetto fisico, complice un regista attento più alla tirate di coca che a restituire un personaggio tormentato ma pur sempre nobile. Vestito in giacca scozzese rossa e calzoni da carabiniere il sign. Salsi pare più il protagonista di un cabaret alla Bagaglino che non quello di una tragedia.
A fianco della regal coppia borghese, il Banco gutturale del signor M. Spotti e il McDuff stile Canzonissima del signor S.Pirgu. Nella buca il maestro Conlon, che ha diretto dispensando sicurezza, nerbo ed anche qualche decibel di troppo, more solito. La sua è un’idea di Verdi che non contempla la creazione di atmosfere, di climi di cupa tragedia o descrittivismi di sorta, insomma, un…bimbumbam coi fiocchi, sempre sicuro e di buon suono dell’orchestra, preciso e battagliero, ma di atmosfere nemmeno a parlarne. Il pubblico ha gradito i suoi decibel più di ogni altra componente dello spettacolo, applaudendolo molto. Così, alla fine, la versione ’47 di questa opera non ha trovato nemmeno stavolta la cifra stilistica che le spetta, rappresentata, ancora una volta, solo per pura curiosità e non per fondata ambizione filologica e musicologica.