Teatro alla Scala: “Siegfried” senza attenuanti.

Per un attimo ci avevo creduto.
Per un attimo avevo sperato che dopo il “Tristan”, Barenboim, avesse azzeccato la sua direzione più riuscita, dopo anni di mediocrità assortite, proprio con questo “Siegfried” che nella diretta radiofonica mi aveva fatto ben sperare, soprattutto alla luce di un suono orchestrale che sembrava molto migliore e maggiormente attento e curato rispetto a precedenti flaccide serate.
Ma quando mai!
L’ascolto dal vivo, alla seconda recita, dimostra impietosamente, quanto già si era compreso: dopo attenta analisi l’attuale Barenboim, soprattutto alla luce di quest’ultimo “Siegfried” scaligero,  dimostra di essere un direttore di incommensurabile modestia.
Barenboim, oltre ad essere l’ombra del direttore d’orchestra che fu negli anni ’80 e ’90 (almeno in Wagner) oggi non è nemmeno assimilabile alla stirpe  dei “battisolfa” soprattutto perché loro, pur nella loro routine, riuscivano a dominare l’orchestra,  ad imporre un tempo ed un volume quantomeno coerente tra il golfo mistico ed i cantanti, riuscivano, e stiamo parlando di basi tecniche, a riacchiappare i cantanti se andavano fuori tempo!
Ognuno fa quel che vuole nella buca e sul palcoscenico in piena anarchia e sciatteria di intenti.
E’ triste ed angosciante ascoltare il clarinetto stonare sistematicamente tutte le note; ancora più squallido è ascoltare il suono così vetroso, fisso, sgradevolissimo, calante dei corni, delle trombe, dei tromboni senza che Barenboim faccia nulla, NULLA, per correggerli o curare la qualità sonora, avvallando invece un orrore simile soprattutto nell’assurdo caos della “scena della forgiatura” dai tempi così sbrindellati da far annaspare  i cantanti in un profluvio soffocante di decibel, oppure tutta la scena del “mormorio della foresta” o della lotta con Fafner, in cui se non ci fossero gli archi ed i flauti a tamponare le stonature degli ottoni, non si creerebbe nemmeno l’atmosfera eterea cercata da Wagner.
Apice di tale risultato è il corno fuori scena che dovrebbe “doppiare” quello di Siegfried nel II atto: dopo due note ecco pronta l’immancabile stecca che fa fermare l’azione per una decina di secondi e riattaccare peggio di prima. Ripeto: che inaudita sciatteria.
Insomma, per il livello turistico in cui si è voluta trasformare la Scala, con signori giovani (pochi) e meno giovani (la maggior parte), che, generalizzando, non conoscono nemmeno la trama di ciò che guardano e ascoltano, Barenboim è, dunque, perfetto.
Per contrasto abbiamo invece legni, archi, questi ultimi con qualche lievissima sbavatura che nulla toglie alla bravura ed alla compattezza, e soprattutto fiati dal suono più intenso e preciso, che possiedono una musicalità ovunque attenta, un fraseggio finalmente poetico e sfumato che onora i momenti più distesi soprattutto del secondo e terzo atto.
Tra i più riusciti sicuramente il tesissimo duetto Alberich-Wotan in cui le note gravi echeggiano davvero notturne e minacciose; i monologhi di Siegfried sotto al tiglio che galleggiano malinconici e limpidi; la tempesta con la quale si apre il III atto carica di disperazione e tutto il duetto finale condotto verso un esaltante crescendo.
Piccola parentesi: non sapevo che agli orchestrali scaligeri, per contratto, fosse concesso un placido sonnellino sul posto, come novelle Brunnhildi in attesa del bacio dell’eroe,  quando non sono chiamati a suonare il loro strumento!
“Heil dir, Sonne! Heil dir, Licht!” cari signori! Scusate se vi disturbiamo, ma vi ricordo che siete sul luogo di lavoro.

Lance Ryan interpreta perfettamente un Siegfried nato dal Siegmund di Simon O’Neill e dalla Sieglinde di Waltraud Meier: l’uno bolso e legnoso, l’altra in decadenza.
La proiezione della voce non maschera la piccolezza di uno strumento rozzo e poggiato solo su corde vocali che la natura, ma non la latitante preparazione tecnica, ha reso robuste solo per “reggere” i primi due atti di Siegfried; perché al terzo la voce, ormai provatissima, abbandona il cantante che cerca di fare quello che può  per “sopravvivere”, ma non cantare, il monologo prima del risveglio della Valkiria ed il micidiale duetto finale.
Eroico? Nemmeno per idea. Il timbro è praticamente assimilabile a Mime al pari di predecessori quali Manfred Jung, Wolfgang Schmidt, John Treleaven, Christian Franz, di cui eredita anche i difetti: musicalità zoppa, apertura delle vocali tese allo spasimo, fissità e ballamenti assortiti al centro, registro acuto spinto, falsettante, indietro, vociferazione al posto di vero canto.
Durante la forgiatura di Nothung si rifugia dietro alla scenografia per bere acqua… mi fermo qui.
Insomma il suo unico pregio è resistere due atti… e Storey è dietro l’angolo pronto per il “Crepuscolo”.
Il Mime interpretato da Peter Bronder possiede una voce più proiettata rispetto a quella del suo figlioccio; ma è fastidiosa l’emissione sempre diversa con la quale accenta ogni parola, rendendo il suo canto perennemente frastagliato, vuoti i suoi acuti, appena appena toccati o indietro, traballante il registro centrale e caricaturale, tanto da trasformarlo nella solita macchietta ciangottante, il fraseggio ben poco approfondito.
Vitalij Kowalijow era piatto, grigio e monotono nella “Walkure”: Terje Stensvold, il Wanderer, che sembra davvero la versione anziana del suo del suo predecessore, si adatta ed eredita tale monocromia, tale accento noioso.
Va bene: non ha un’ età più fresca e la tecnica non maschera affatto una voce dal timbro impastato, parecchio affaticato, che risuona solo al centro mentre in alto ed in basso tende a forzare, mandare la voce indietro o a sparire inghiottito dall’orchestra; ma non ha nemmeno un fraseggio così idiomatico da renderlo credibile, per quanto si sforzi con il solo registro centrale di trasmettere una certa autorevolezza.
Il terzo atto poi è praticamente giocato in difesa, tutto accennato e allo sbaraglio per quanto attiene l’intonazione.
Insulso il Fafner formato “lucertolina” di Alexander Tsymbalyuk; dura, gorgogliante l’Erda di Anna Larsson che canta sembrando raffreddata; l’uccellino di Rinnat Moriah, come scrissi, giustifica l’apertura della stagione della caccia.
Pesante pietra di paragone per tutto il cast è certamente l’Alberich davvero notevole del baritono Johannes Martin Kraenzle.
L’emissione non è elegantissima, e gli acuti vibrano leggermente pur mantenendo l’intonazione, ma è solida, così la voce è timbrata, sonora e penetrante nei registri; ed è un piacere, e lo dico davvero, ascoltare finalmente un Alberich che non bercia, non parla, non inventa note, non urla, non vocifera rozzamente, non bestemmia per cercare un fraseggio che non esiste: Kraenzle canta tutto, interpreta il beffardo e disperato cinismo di Alberich senza strafare, fidandosi di Wagner e delle sue possibilità vocali, esprime la brama febbrile scavando nella chiarissima dizione. Gli perdono qualche rantolo “espressivo” che potrebbe evitare, ma mi associo al meritato successo personale che ha ottenuto.
Nina Stemme, Brunnhilde, trionfa anche stavolta. Ho già scritto i suoi pregi ed i suoi difetti nella precedente recensione di “Sorella Radio” che anche dal vivo confermo: aggiungo solo che il tremulo passaggio di registro sulle note Fa-Sol non è risolto e che il registro grave è spinto e gonfiato, come la voce che si assesta tra gola e bocca; eppure l’accento è giusto ed è molto buona la scelta di trasformare Brunnhilde in una Sieglinde (ruolo ben più adatto a lei) turbata, insicura, ma profondamente materna, lirica, dolcissima. Il registro acuto, da sempre problematico, stavolta pare leggermente più sicuro, così i La, i Si ed i Do suonano piccoli e ghermiti, come c’è da aspettarsi da una voce del genere, ma almeno ci sono.

Inconcludente, superficiale, insignificante, come sempre, l’allestimento di Guy Cassiers, che conferma di non essere un regista, ma un elettricita di luci e proiezioni buone per tutti gli usi.
Lo scavo dei personaggi si assesta su quattro gesti: cammina lentamente o velocemente, fermati, stenditi, agita tutto quello che hai in mano.
Nothung non viene nemmeno forgiata, ma presa bell’e pronta da una mensola…
Non c’è null’altro, se non scene insignificanti come la grotta di Mime, affine ad una discarica di spade, con il riciclo della rocca delle Valkirie in salsa “cubista”, vista nella giornata precedente, e qui trasformata in uno scomodo sgabuzzino di grate, gradini e gabbiette; la foresta di Fafner ridotta a negozio di tende con perline per la casa al mare e dotata di inutili ballerini che giocano prima alla “Bella lavanderina”, strizzando a destra e a manca un enorme lenzuolo che vorrebbe concettualmente rappresentare il dragone, e poi con le copie di Nothung disegnando il “cinque di spade” in varie fogge intorno a Siegfried: patetico.
Superflua la deambulante “fida ninfa” che sostituisce l’uccellino: perchè non affidarla direttamente alla cantante invece di prendere l’ennesimo mimo?
Imbarazzante poi la roccia dove sogna la povera Brunnhilde, la quale dovrebbe rappresentare una candela “sciolta”, ma che in realtà sembra qualcosa di molto, molto meno poetico…
I costumi sono coerenti allo stile della discarica del primo atto, tranne quelli di Erda e Brunnhilde travestite da Gothic-Girls.

Al termine una manciata di applausi per tutti, molto calore per la Stemme, e qualche contestazione nei riguardi di Bronder e dei ballerini.
Teatro pieno e con qualche posto vuoto in platea e sui palchi: durante il III atto un po’ più evidenti.
Wagner non abita in Scala, e “Lohengrin”, caro Barenboim, è dietro l’angolo…